Poesia e Rivoluzione
di Leda Lunghi

Ho immaginato il cambiamento, la libertà, chiedendo a me stessa quanta forza essi contenessero, poi ho visto qualcosa in lontananza, impercettibile, ho udito un’eco lieve, il richiamo di un angelo, detentore della storia, portava con sé parole suadenti piene di forza, fascino e ardore; nel suo profondo una parte oscura, quell’angelo conduceva alla rivoluzione, mentre Clio, la Musa della storia osservava inerte senza testimoni.

La rivoluzione ha le ali della libertà, si schiude verso il cielo per poi diradarsi in tempi lontani, la si osserva sparire tra le nuvole. La rivoluzione è lo sbocciare della poesia, della passione e della lotta, è il desiderio fugace del cambiamento, dettato da ideali profondi, in cui si sviluppa la complessità umana, la rivoluzione è “ la lotta dell’uomo contro il potere è la lotta della memoria contro l’oblio. ” ¹
In questo vagare di memorie, di cambiamenti, di valori divenute melodie incessanti, unite da chimere trasformatesi poi in silenzi profondi, in questo cerchio perfetto di anime che danzano tra amore e odio, felicità smarrite tra passato e futuro, rimbomba il valore profondo del tempo, eterno, intimo, in cui l’angelo della storia, così chiamato da Walter Benjamin, cristallizzava i cocci di pensiero ², i dettagli delle nostre essenze e tra quei significati si possono ritrovare le origini, le motivazioni della nostra realtà più pura, quella in cui si rivela il nostro essere la nostra identità, i nostri destini, ciò che abbiamo di più prezioso e raro.
Lo spirito fresco della rivoluzione, il suo phatos è serbato nell’oblio, nel ricordo delle parole e delle immagini, esso corre sul filo di kairòs, il vento lo accompagna tra gli echi e le rovine, il logos lo conserva come un tesoro prezioso, abbandonato nelle profondità del mare. Per raggiungere quegli abissi e riportare le sue rarità in superficie abbiamo bisogno di parlarne, di rievocarle, di immaginarle. Le opere di Maria Magadalena Campos – Pons ci accompagnano in questo lungo viaggio. Nella poetica dell’artista cubana ritroviamo la sua essenza rivoluzionaria, delicata, malinconica, effimera; in quest’arte, cuore delle sue memorie ancestrali, emerge l’amore per la terra d’origine, Cuba: eccoli i suoi colori, i particolari che emergono dai lavori, rimandi a narrazione di storie e leggende. Osservandoli pare di udire un clamore lontano, voci di donne che tramandano antichi miti, rombi perduti di rivoluzioni fallite, riti religiosi, ed è quella terra che riemerge in quest’estetica, in un dedalo di odori, luci e simboli. Quella patria che sarà perennemente con lei, s’intreccia con l’attuale presente, là dove incontra la realtà, in una cerimonia di purificazione, di iniziazione, avviene il passaggio a questa duplice vita, in un’unione di verità storiche, in un’intima profondità di eclettismo. La spiritualità culturale rivelata da Maria Magdalena Campos – Pons, la suo condizione di esule, ci fa comprendere quanto rivoluzionario sia questo concetto e quanti artisti, percepiscano la necessita di raccontarlo, rispecchiandosi nelle proprie rappresentazioni mentali e immaginarie, trovando in esse una sorta di pace.
“In ultimo ci sarà un’immagine non una parola. Prima delle immagini le parole muoiono” ³, così parlava Cassandra tra le pagine di Christa Wolf nell’omonimo libro Cassandra.
La grande profetessa, morì in nome della verità, fu il suo coraggio e la sua presunta follia a portarla alla morte, nessuno accettava le sue troppo spesso scomode verità, ne evince che spesso il concetto di rivoluzione cela in sé tutt’altro che fortuna o serenità. Questo fenomeno trapela di solitudine, incomprensione, poiché colui (o colei) che lotta, si trova alienato e solo, in quanto il cambiamento è spesso un’utopia, un’idea dei folli, ed è a questi personaggi apparentemente fragili agli occhi della società, che Elena Bellantoni e Gianni Moretti dedicano le loro opere.
La prima, omaggia il grande registra russo Andrej Tarkovskij, reinterpretando il film Nostalghia. Girato in Italia, Gorčakov, il protagonista, è incapace di trovare un equilibrio, un’armonia con se stesso, si sente estraneo alla vita che gli scorre dinanzi, sopraffatto da un animo annebbiato tra malinconia e solitudine, deluso, trova rifugio nel riverbero della “pazzia” di Domenico, un poeta considerato “folle” dalle persone “normali” in quanto rimasto rinchiuso in casa per sette anni, nella convinzione di proteggere in questo stato di confinamento sé e la sua famiglia. Bellantoni con la descrizione di questo personaggio, tanto ossessivo e inquietante, quanto rivoluzionario e utopico, detentore di una verità ingenua, ma totalmente pura, rivelatrice dell’essenza radicata e primitiva della civiltà, accende un dibattito sul coraggio della fragilità e in contemporanea sul periodo storico appena conclusosi, il quale ci ha visti confinati forzatamente nelle nostre abitazioni.
In questa sorta di “fine del mondo”, come recitano per l’appunto le parole di Tarkovskij, nei mesi della pandemia, siamo divenuti spettatori di una rivoluzione umana, ci siamo sentiti protagonisti di una metamorfosi ovidiana, che ha coinvolto ogni tipo di essere vivente. L’artista sceglie di rappresentare quest’epoca storica con l’ambigua e mitologica figura del corvo, volatile misterioso, sacro quale la vita e la morte, il cui colore nero è segno dell’imperfezione del mondo.
Tutti dinanzi alla paura e alla morte siamo apparsi inermi e questo ci ha introdotto a una trasformazione. Il nostro DNA è mutato, ma non solo, ritrovatici dinanzi ad uno specchio, abbiamo visto oltre all’essere umano un intero mondo ramificato con tutte le sue fragilità, che si sono trasformate e si tramuteranno nel tempo in contaminazioni, cambiamenti ed emancipazioni. E’ su questo punto che si sofferma l’artista, sulla rivoluzione della fragilità, in questo gioco biunivoco in cui c’è chi cambia e c’è chi osserva.
Noi moltitudine di normali, bloccati, accecati e velati dall’indifferenza della nostra regolare consuetudine, osserviamo inerti la rivoluzione che Domenico conduce.
Paragonati agli ascoltatori del monologo estremamente lucido e rivoluzionario che il poeta tiene dal Campidoglio attraverso il quale decide di cambiare il mondo. Egli non solo parla della tragicità della situazione in cui la popolazione è afflitta, ma grazie alla propria convinzione spirituale si fa carico degli altri, arrivando al gesto estremo del martirio. Atto rivoluzionario, compiuto non solo attraverso l’importanza del logos ma anche mediante l’elemento fisico, che Bellantoni sottolinea ponendo in evidenza gli aspetti chiave della sua poetica: il linguaggio, la performance e il video. L’artista infatti interpreta il fuoco che brucia e divampa sul corpo, come l’ardere delle parole ed è con questo discorso poetico che ci riconduce alla forza rivoluzionaria dell’artista tout court, su cui grava l’immagine del preveggente e del premonitore.
Aleggiano nel video le affermazioni di Domenico, in un racconto di realtà lirica e metaforica, in cui Bellantoni sviscera una molteplicità di significati e significanti; il segno del linguaggio è fermato per non essere disperso nel vento e inciso su preziose scritte di ottone tirate a lucido, adagiate come pelle di pellicola. Scritte che simboleggiano frammenti, quell’estetica del dettaglio da cui origina l’idea dell’artista, perché è sempre da una piccolo indizio, una traccia nascosta, una miccia apparentemente impercettibile da cui divampano le rivoluzioni. E’ un attimo, un’inquadratura lontana, un particolare, un cartello tra la folla: “Pensate! Domani è la
fine del mondo” , un monito, da cui questa ricercatrice di esistenze, prende spunto per l’omaggio alla poesia profonda e rivoluzionaria del regista e dei suoi valorosi anti-eroi.
E’ in questo vagare di utopie, rivoluzioni dell’anima, del quotidiano che Gianni Moretti nelle sue opere, abbandonate, delicate, rarefatte, ci fa intravedere tra le ombre immagini vaghe e sfumate racconti di vite, nebbie di memorie, di coloro la cui rivoluzione è stata la capacità di opporsi alla società per sopravvivere, per affermare la propria notorietà nell’anonimato. La rivoluzione, quella di affrontare la vita e gli sguardi altrui nelle condizioni più avverse, possedendo il coraggio e la capacità di non cadere, per non divenire invisibili prima di tutto a loro stessi, per rimanere uniti a quel filo rosso che li integra al significato primo della vita, quello della libertà; illuminare queste vite, questi coni d’ombra è il centro di ogni rivoluzione.
Un diritto negato, ecco cosa rappresenta nel lavoro Black powerless la giovane artista Binta Diaw un lavoro che rivela ideali, quelli che l’artista esprime profondamente e manifesta con furore in tutta la sua arte, cercando di portarci a riflettere e forse chissà a cambiare.
Figlia di seconda generazione, quei ragazzi nati e cresciuti in Italia, italiani in tutto e per tutto, ma che ricevono la cittadinanza solo a diciott’anni, ci racconta con questo lavoro, la generazione dello Ius soli, del diritto di cittadinanza.
Una generazione fantasma, abbandonata a se stessa, priva di tutele.
Con uno sguardo provocatorio, ma al contempo sensibile e poetico, Binta Diaw esplora questa problematica dal punto di vista politico, culturale, sociologico, ne evince un’opera corale, in cui l’artista prende il calco del pugno chiuso dei suoi coetanei afro-italiani, il simbolo iconico è quello che negli anni sessanta rappresentava l’ideale rivoluzionario delle Black Panther, non a caso segno dell’identificazione dell’orgoglio nero. Il suo potere nero viene posizionato al contrario, in nome dell’impotenza, un pugno che non detiene potere. Da qui il richiamo dell’artista a porre l’attenzione sui valori negati e il desiderio di eguaglianza per questa generazione, la sua sensibilità per la crescente alleanza demografica e corporea degli afro-discendenti italiani resi invisibili dalla nazione.
Il tempo scorre anche sul lavoro di Massimo Uberti dove antico e contemporaneo convivono nelle loro essenze più pure, attraverso la rappresentazione dell’oro e del neon, Uberti racconta la duplicità dell’arte, presente nella scritta : L’altro lato dell’arte.
Con queste parole, che magnetiche attraggono la nostra attenzione, con la loro libertà semantica ed estetica, egli descrive l’universalità dell’opera d’arte e in contemporanea il suo duplice significato di singolarità quale opera stessa, evocata ed elaborata dall’artista.
E’ l’antitesi, il duplice che troviamo in questo lavoro, ispirato dal titolo speculare della mostra ed è questa ambiguità perennemente presente nella sua poetica che si libera tra spazi di buio e luce, immensità misteriosa, ma contemporaneamente libera, audace, coraggiosa, con quello sfondo d’oro in cui riconosce, immaginandolo, un piccolo uscio, dove si perdono le linee minimali e geometriche delle parole.
Queste ultime esistono grazie ad un’ estetica raffinata e antica del nobile materiale aureo e dall’origine bizantina e successivamente medievale ed è in un gioco di equilibrismi antitetici, in cui notiamo come il pensiero scorre puro su questa poesia, in un sorreggersi di origini e attualità che si bilanciano perfettamente. Con quest’opera che tende verso l’infinito chiudiamo, con la preveggenza rivoluzionaria di ogni artista e con la loro indistinguibile capacità poetica di guardare oltre.